Y nos llevó en sus dibujos a un mundo de lineas, colores historias fascinantes… y Moebius es uno de esos ilustres personajes y protagonista de esa historia ilustrada universal, este es un breve acercamiento a algunas de los secretos y conceptos que podemos encontrar a simple vuelo…

 Las ilustraciones de Moebius (Jean Giraud), son reconocidas por varias características distintivas que le otorgan un toque especial y único.

• Líneas fluidas y orgánicas: Era hábil en crear líneas suaves y fluidas que daban vida a sus ilustraciones. Sus trazos eran a menudo curvos y elegantes, lo que contribuía a la sensación orgánica de sus obras.
• Detalles minuciosos: Aunque sus líneas eran fluidas, Moebius también era conocido por la atención meticulosa a los detalles. Sus ilustraciones a menudo contenían elementos intrincados que requerían un examen cercano para apreciar completamente.
• Estilo surrealista: Exploró mundos y escenarios surrealistas en sus obras. Sus ilustraciones a menudo presentaban paisajes y criaturas imaginativas que desafiaban las convenciones de la realidad.
• Uso de colores vibrantes: En muchos de sus trabajos, empleaba colores brillantes y vibrantes que añadían vida y energía a sus creaciones. Esta paleta cromática distintiva contribuía a la atmósfera única de sus ilustraciones.
• Influencia en la ciencia ficción y la fantasía: Dejó una marca significativa en el género de la ciencia ficción y la fantasía. Sus ilustraciones han influido en muchos artistas y han contribuido al desarrollo visual de estas áreas creativas.Narrativa visual fuerte: Además de su habilidad técnica, Moebius también era experto en contar historias a través de imágenes. Sus ilustraciones a menudo transmiten narrativas complejas y emocionantes, capturando la imaginación del espectador.

Entre muchas de las cosas que el explica, habla de varios puntos a considerar al momento de emprender la ilustración:

• Lo que se debe aprender con amor es el estudio del cuerpo humano, el posicionar los tipos las expresiones y la arquitectura de los cuerpos y la diferencias entre las personas, en el dibujo es muy diferente cuando es un hombre o mujer porque en el hombre, las líneas se pueden cambiar un poco hay cierta imperfección en sus figuras que se apoyan, pero con la mujer la precisión debe ser exacta perfecta, porque si no se pone fea y eso puede provocar su ira.

Los personajes deben tener su propia personalidad, gestos de vida, que provienen de la naturaleza de la enfermedad que transforma el cuerpo; la vida nos deja e imprime un mensaje en la estructura corporal, en la distribución de la grasa de cada músculo, en cada arruga del rostro y el cuerpo, es un estudio de una vida.

• Cuando ilustras una historia, puedes empezar sin saber toda la historia, pero si al dibujar un personaje aportas a él detalles respecto al mundo particular de ese personaje le das valor a tu obra. Cuando un personaje muere en un comic y este personaje no tiene una historia dibujada en su rostro, en su cuerpo, en su vestido, el al lector no le importa… no hay emoción.

Los editores dicen que tu historia no vale nada, que solo hay un muerto y que se necesita 20 o 30 muertos para que funcione, eso no es cierto si la persona muerta o la persona herida o la persona enferma o la que se encuentra en el problema tiene una personalidad real que surge del estudio de la capacidad de observación del artista, surge la emoción de este estudio.

También se desarrolla necesariamente a la atención a los demás, la compasión y el amor por la humanidad es muy importante para el desarrollo de un artista. Si usted Si quieres ser un espejo, debes tener el mundo entero dentro de tu conciencia. Un espejo que mira todo.

• Jodorowsky* dice que no me gusta dibujar caballos muertos, es muy difícil dibujar un cuerpo dormido que está abandonado, porque en cómics la acción siempre se dibuja así en acción y movimiento puro, es más fácil dibujar personas que pelean, por eso que a los americanos (Marvel, DC Comics) les gusta dibujar super héroes. 

Es más difícil dibujar personas que hablan porque hay una serie de movimientos muy pequeños y esa especie de minimalismo requiere más intensidad porque se necesita intensificar el amor, la atención al otro y a las pequeñas cosas que hablan de la personalidad, de la vida.

Los superhéroes no tienen personalidad. todos tienen lo mismo gestos y movimientos imitan gestos de ferocidad de la pelea corriendo

Alejandro Jodorowsky, nacido el 17 de febrero de 1929 en Tocopilla, Chile, es un multifacético artista y creador cuya carrera abarca el cine, la escritura, el teatro, la poesía y la espiritualidad. Conocido por su enfoque vanguardista y su visión surrealista, Jodorowsky ha dejado una huella significativa en diversas disciplinas artísticas.

Además de su trabajo en cine, Jodorowsky es un prolífico escritor y autor de cómics, siendo conocido por la serie «El Incal», creada en colaboración con el ilustrador Moebius. Su enfoque en la mezcla de lo esotérico con lo narrativo ha hecho de sus obras literarias y gráficas experiencias únicas y fascinantes.

Igualmente, importante es la ropa del personaje porque el estado, el material y la textura son una visión de sus experiencias de su vida de su situación en la aventura que puede decir mucho sin palabras, en un vestido hay mil arrugas, y hay que elegir solo dos o tres, pero las más expresivas, las más importantes.

El estilo, La continuidad estilística del artista es una simbología y se puede leer como el tarot. Elegí el nombre de Moebius como broma cuando tenía 22 años, pero en realidad hay un significado en eso, si llevar una camiseta con un burro que me dice quién eres, en mi caso te doy importancia a un dibujo con relativa simplicidad porque así es como se pueden hacer indicaciones sutiles.

Cuando un artista o un dibujante sale a la calle la calle no ve las mismas cosas que gente normal. Lo que ve es una documentación de la forma en que vive la gente.

Otro elemento importante del dibujo es la composición. Debemos estudiar la composición de nuestras historias porque cada página o cada cuadro es una cara que mira al lector y le dice algo. No lo es una asociación de viñetas sin sentido. Hay páginas completas y viñetas vacías, otras con verticales o dinámica horizontal, y en eso hay una intención. Lo vertical anima, lo horizontal calma, lo oblicuo hacia la derecha para nosotros -los occidentales- representan la acción que es dirigido al futuro mientras que el oblicuo hacia la izquierda dirige las acciones al pasado.

Los puntos representan la dispersión de energía, algo colocado en el centro enfoca la energía y concentra la atención, son símbolos básicos de lecturas que ejercen una fascinación, una hipnosis, ¡tienes que estar consciente del ritmo y poner una trampa al lector para que caiga y se pierda, se mueva hacia adentro con placer porque hay vida!, tenemos que estudiar esos grandes puntos que hablan con sus lectores en sus viñetas, no importa cuáles sean: su escuela o de que época son, hay que verlos con esa preocupación por su papel en la composición física, pero también para el desarrollo emocional, en lo que cómo la composición de las líneas que de forma artista toca directamente nuestros corazones.

La narración debe armonizar con el dibujo, debe haber un ritmo visual a partir de la colocación de las letras y la trama, debes manejar la cadencia correctamente para comprimir o alarga el tiempo; hay que tener cuidado con la elección y dirección de los personajes, los usan como un director de cine y estudiar los diferentes planos.

Hay que tener cuidado con la devastadora influencia del cómic norteamericano, porque solo estudian una pequeña composición dinámica de anatomía monstruos, peleas, gritos y los dientes… que es algo que también me gusta, pero hay muchas otras posibilidades que necesita ser explorado.

Existe una conexión entre la música y dibujo, pero eso también depende del personalidad y momento. Por tal vez 10 años llevo trabajando en silencio y para mí la música es el ritmo de líneas. A veces dibujar es estar en la búsqueda de un descubrimiento y una línea y justo esa sola línea puede ser un orgasmo.

El color es un lenguaje que el artista utiliza para manipular la atención del lector y para crear belleza. Hay color objetivo y subjetivo el estado de ánimo de los personajes Influir en el color y la luz puede cambiar de un cuadro a otro. otro según los espacios representados y la hora del día es necesario estudiar detenidamente el lenguaje de colores.

Debemos intenta crear breves historias, pero de muy alta calidad, especialmente al principio de nuestra carrera, hay mayores posibilidades de finalizarlos con éxito y de poder colocarlos en revistas o con editores.

Hay momentos en que nosotros nos dirigimos conscientemente hacia el fracaso, porque elegimos un tema, una extensión o una técnica que luego no nos conviene, hay no hay necesidad de quejarse.

Cuando se envían originales a los editores y hay rechazo, debemos preguntarnos las razones por las que debemos estudiar las razones del fracaso y aprender de ellos, no es un luchar con nuestras limitaciones, ni con el público o el editor… se trata más bien aprendiendo a manejarlo como el aiki: la fuerza de quien ataca, puede ser derribada con el esfuerzo proporcional.

Hoy es posible encontrar lectores en cualquier lugar el planeta y eso es algo que debe tener en cuenta para empezar. El dibujo es una forma de comunicación personal, pero esto no significa que el artista se cierra en su burbuja porque es una comunicación con seres cercanos y con uno mismo, pero también con gente desconocida.